Hope

Un vapuleo gozosamente cinematográfico

Hope (Hopeu, Na Hong-jin, 2026)

Seguramente pertenece más a la leyenda que a la realidad la anécdota sobre el miedo (con fuga incluida) que pasaron los primeros espectadores de L’arrivée d’un train à La Ciotat (1895), de los hermanos Lumière, pensando que la enorme locomotora les iba a arrollar, entre otras cuestiones porque esta aparece en dirección oblicua, no de frente, y sale fuera de campo por la izquierda de la pantalla. Aun así todavía podemos imaginar el asombro que pudo suscitar la novedosa experiencia, porque está claro que algo cambió para siempre en los espectáculos que generaban la sensación de imágenes en movimiento. A partir de ahí nació y se desarrolló un nuevo lenguaje, con unas evoluciones y revoluciones de distinto signo, y sobre todo con un rápido vínculo con artes como la literatura y el teatro que se contraponía a un concepto puro del cine, que sería básicamente la elaboración plástica de la imagen fotográfica en movimiento sin subordinarse al hecho narrativo ni apoyarse en la palabra. Es decir, como si el absoluto cinematográfico consistiera más bien, por ejemplo, en colocar la cámara en la locomotora de los Lumière y captar de frente su raudo recorrido mientras avanza, algo propuesto por Henri Chomette en 1925, quien en Jeux des Reflets et de la Vitesse, un cortometraje de 8 minutos, culminaba unas primeras imágenes abstractas de efectos ópticos con la frenética vista «subjetiva» de un tren por sus carriles y de una embarcación por el Sena. Pero todos sabemos que cualquier intento de un cine desvinculado completamente de un relato terminó relegándose al ámbito de lo experimental, y si damos el salto de un siglo y un año después, en nuestro 2026 las prácticas puras no solo no entran en la lógica comercial, sino que tampoco las conciben los espectadores… hasta que, de repente, ha llegado a los cines un pepinazo libre y desprejuiciado a tantos niveles como es Hope, el filme surcoreano que bien podría ir acompañados por el lema publicitario de «5 % de historia y 95% de agitación», con un consecuente «200% de divertido vapuleo».

Después de las estupendas y diversas declinaciones del policiaco que son los anteriores largometrajes de Na Hong-jin, The Chaser, The Yellow Sea y El extraño —el primero a la manera ultraviolenta, el segundo desde una perspectiva social y el tercero mezclándolo con el terror folclórico—, el cineasta se propone llevar lo que sería en esencia un thriller a una película de monstruos y sus destrozos, pero con una estructura que parece demasiado básica y hasta informe para cualquier obra, llamémosla así, narrativa. Y es que este relato sobre la destrucción que sufre una pequeña localidad de Corea del Sur cuando se ve atacada por gigantescas bestias y los descomunales esfuerzos que realiza un pequeño grupo de personas, entre ellos un par de agentes de la policía local, se conforma a grandes rasgos solo por la siguiente serie de momentos: dos persecuciones destrozonas por la ciudad, una cacería en un bosque y una tercera persecución en la carretera; y, entre medias, unos pequeños interludios dialogados (la mayoría tirando a humorísticos) para hilar y llenar huecos que establezcan un argumento. Y así durante 160 minutazos en los que casi todas las sorpresas y los asideros que nos ofrecen a los espectadores para que nos quedemos en la función provienen mucho más de la forma que del contenido.

Hope es una proeza de realización donde casi todo es tensa respiración y lengua fuera por la velocidad que se imprime al conjunto, con un sentido prodigioso del ritmo y el montaje en cada una de las secuencias, una característica que se replica, por tanto, durante la disposición sucesiva de las mismas, como una mecha que no termina nunca pero va encadenando explosiones a la vez. Na Hong-jin, además, inicia su festival alargando el momento de enseñarnos el monstruo y durante más de media hora larga —pura tensión que no decae entre estallidos, fuegos, escombros y chatarras— estamos esperando, a la manera inversa de lo vivido por el público parisino de L’arrivée d’un train à La Ciotat, que algo parecido a una locomotora entre en el campo visual y nos atropelle. Y cuando esto sucede, el director consigue mantener el pulso taquicárdico hasta el final con algo que en lugares como Hollywood parece haberse olvidado: los efectos CGI, incluso omnipresentes, siempre deben realzar los demás campos artísticos que levantan un filme, nunca sepultarlos.

Eso respecto al 95 % de agitación ¿pero qué pasa con el 5 % que le correspondería al argumento? Por un lado, Na Hong-jin nos planta con soltura varios arquetipos (las cabalgadas de los wésterns, el héroe indestructible, las acrobacias del cine clásico de aventuras…), y por otro nos coge desprevenidos con una sorpresa final, casi como si una película diferente colisionara con la que estamos viendo, una película ahora sí eminentemente narrativa y que concuerda con la etiqueta genérica que acompaña la publicidad de este estreno, la ciencia ficción. Se trata de un hecho que en gran medida puede enturbiar lo puesto de manifiesto en esta crítica. Es más, ya ha trascendido, aunque las noticias no son nada precisas, de que existe el guion de una secuela e incluso se habla de una futura trilogía, sin ningún rastro todavía, eso sí, de que haya empezado la preproducción. Si hay continuaciones, redimensionarán, no se sabe si a mejor o a peor, las sensaciones generadas por Hope, pero a quien escribe estas líneas el hecho le da un poco igual. De momento ha disfrutado la mencionada colisión entre cintas, representada con una poderosa imagen en la que la segunda raja la pantalla de la primera antes de ir entrando poco a poco hasta ocuparla (aquí nos detenemos para no desvelar la trama), y que es una guinda perfecta para lo que ha resultado un sanísimo zarandeo cinematográfico. Uno se marcha de la sala exhausto pero contento.

*Santiago Alonso es crítico cinematográfico, escritor y traductor.